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El Patrimonio Intangible

Un interesante proyecto para salvaguardar el arte del sur de la ciudad.                                                                                                

Como parte de una tradición ancestral, el arte se transfiere de boca en boca, de maestro a discípulo, como parte de nuestra historia como sociedad y como humanidad.

Con este precepto como punto de inicio, María Luz Duran presentó el proyecto cultural Discípulos del Patrimonio Intangible en el Distrito de las Artes, que busca la transmisión y preservación de  técnicas artísticas, artesanales y de arte popular, mediante la generación del vínculo maestro y discípulo. Serán nuevos artistas los que buscan formarse en estas disciplinas del sur de la Ciudad de Buenos Aires que se desarrollan en los barrios de La Boca, Barracas y San Telmo. "Este proyecto pretende ser un esfuerzo por proteger y salvaguardar las expresiones culturales para pasarla a futuras generaciones para que puedan replicarlas. Cada artista tiene un compendio de conocimiento que va adquiriendo con el transcurso de los años. Técnicas que van investigando, modificando y experimentando que representan la identidad del lugar en donde se desarrollan. Todo eso es lo que buscamos proteger." señaló María Luz, quien es coordinadora de la propuesta.

Para concretar este objetivo Duran no está sola sino que cuenta con el trabajo de cinco reconocidos artistas consagrados del distrito de las artes en diferentes disciplinas: Alicia Díaz Rinaldi, artista y docente formador de Grabado y Collagraph; Mariana Capurro, artista y docente formador de Arte Textil; Marcelo Toledo, artista y docente formador de Arte en Metal y Orfebrería; Marino Santa María, artista y docente formador de Mosaico Veneciano  y Muralismo; por último, Carlos Pelella, artista y docente formador de Herrería Artesanal.

El proyecto cuenta con un blog en el cuál se subirán las capacitaciones que los maestros realicen con sus discípulos. El objetivo es mostrar los avances de los talleres y el resultado final a todas las personas interesadas que quieran seguir el proyecto. También contará con un catálogo de artistas  con el fin de servir como registro.

Una vez finalizadas las capacitaciones se realizará una presentación final que tendrá lugar en La Usina del Arte el 27 de junio. En tanto, la muestra final se realizará en el Espacio Lezama Arte en Palacio Lezama durante los meses de julio y agosto.

http://discipulosdelpatrimoniointangible.com.ar/

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Belisario, al infinito y más allá.

Hernán Moyano da un salto espacial a un nuevo formato cinematográfico.                                                                                           

La historia del primer ratón enviado desde la Argentina al espacio parece inverosímil. Pero que ese roedor allá sido la inspiración para el primer film animado en formato Full Dome, convierte este suceso en una leyenda digna de disfrutar para todas las edades. Belisario, el pequeño gran héroe del cosmos, es una producción nacional que se estrena el 5 de mayo en el Planetario de la Ciudad de La Plata y se transforma en la primer película pensada para verse en 360 grados. En Falso Contacto, conversamos con su director, Hernán Moyano, quien prepara la cuenta regresiva para poner esta gran apuesta en la pantalla.

¿Están listos para salir con Belisario?

“Ya salimos con todo. Estamos con idas y vueltas por el estreno, y terminando el capítulo piloto, que es lo que se va a ver. Es una locura, porque nos tomó un año y medio de trabajo, donde lo primero que tuvimos que hacer fue investigar como se hacía esto de filmar en formato full dome que no se había hecho nunca en Latinoamérica. Lo que existía viene de Europa, y nadie te cuenta bien como se hace porque obviamente hay un negocio detrás de eso. Tuvimos que aprender a hacerlo con talento de acá, de La Plata, con un presupuesto muy chiquitito que es lo que pudo aportar la Universidad. Todo para poder contar la historia de la aeronáutica argentina y profundizar las búsquedas de nuevas tecnologías, tratando de interesar a los chicos para llevarlos al planetario de una forma en que no se aburran, ni ellos ni los más grandes”

“La primera proyección es en 10 días así que estamos muy cerquita de la fecha. Estamos con mucho nervio. También estamos muy revolucionados todos los que estamos en el cine porque hoy echaron al director del INCAA, Alejandro Cacetta, por sospechas de corrupción. Asi que estamos viendo si el estreno se va a hacer o no, porque se comenta que va a ver una serie de recortes”.

Belisario es un proyecto muy grande, que involucra muchos trabajos diferentes

“Hay que explicar que es el formato Full Dome para que se entienda el trabajo que estamos haciendo. Para que sea más fácil de comprender la pantalla de cine es rectangular pero en este caso la pantalla es un semi círculo que tiene 17 metros de diámetro.La gente es el centro de la acción, todo está pasando alrededor, arriba, abajo, al costado. Entonces lo que sucede es que  el cerebro lo recibe de una manera tan extraña que uno tiene la sensación de que todo existe realmente, y que si algo está a punto de aplastar a Belisario, está a punto de aplastarnos a nosotros también. Se está haciendo con una mezcla de sonido que nunca se hizo para el cine argentino, con los mejores estudios del país. Tuvimos la suerte de trabajar con uno de los mejores compositores chilenos, Beto Peña, que pudo grabar con una orquesta de más de 50 músicos en Bratislava. Fue un milagro que haya aparecido. Una película de acción con muchos efectos pude tener 100 tracks de audio y Belisario tiene 400 en media hora. Es todo una locura como estamos trabajando”

¿Cómo te metiste a investigar sobre la aeronáutica argentina y sobre este ratón héroe?

“Desde que pisé el planetario como espectador me quedé enloquecido. Salí de ahí pensando que tenía que hacer cosas para ese nuevo formato.  Yo me acerqué al planetario y propuse hacer un ciclo de terror pensando que me iban a cerrar las puertas en la cara y me encontré gente muy copada que quería acercar al planetario desde otro lado. Que sea un lugar de cultura, no solo de educación, y quedamos con la idea de hacer algo. Al principio parecía imposible porque no había ningún referente en Latinoamérica. Así fue que un día Pablo Santamaria, Encargado de Contenidos del Planetario, me contó sobre Belisario, que era el primer ratón que Argentina lanzó al espacio y me pareció una locura. Argentina es el cuarto país en la historia en poner un ser vivo en órbita y eso ya era un gran dato. Cuando me cuenta que además lanzó otros, los nombres ya eran personajes para una serie, Alpha, Gamma, Alejo, Aurelio, Anastasio, Braulio… Todos nombres increíbles! Y automáticamente le propuse hacer una serie para chicos con todo eso. Pensamos que el ratón encuentre la máquina del tiempo, que se perdió en la película de los 70, arrumbada en los depósitos del planetario, y que la use para viajar en el tiempo para inscribir su nombre en la historia de la aeronáutica.”

“La premisa fue trabajar todo de la manera más profesional posible. Yo tuve la suerte de hacer  11 películas, así que ya tengo cierta experiencia. Les propuse hacer un proyecto que por más que tengamos poca plata, apunte a lo más alto posible. Y a pocos días de estrenar los que la ven se quedan enloquecidos.”

Pequeña Babilonia, tu película sobre la historia del rock en la plata fue nominada al Cóndor de Plata

 “Ya la nominación es un premio. Pequeña Babilonia es una película muy chiquitita, que se filmó en 6 días y con cero presupuesto. Siempre apuntamos a que eso no se note. A veces los realizadores se limitan solos y eso después se nota. Yo empecé a hacer cine en una época que no había cámara digital, ni computadora ni nada, y siempre me propuse pensar en grande. Total siempre teníamos tiempo para achicarnos. Tengo escrito el guion de la segunda parte de Babilonia desde que terminé la primera, y en el Instituto del Cine la calificaron de interés, lo que significa que les interesa apoyarla económicamente. Llevo un año y medio trabajando con Belisario y ahora también estrenamos el tráiler del Camino Eterno, que es un documental en ese mismo formato Full Dome, y estoy escribiendo mi nueva película de terror que quizás se estrene a fin año... así que tampoco tuve tiempo, pero la idea es hacerla”

Vimos el tráiler del Camino Eterno y es impresionante. Parece un montaje y no real

“La otra vez lo vio el Presidente de la universidad y cuando nos acercamos a contarle de los dos proyectos nos dijo que para la universidad pública son hechos muy relevantes porque no se habían hecho nunca. Pensaron que eran todos cielos montados. Y en ese proyecto trabajamos cuatro personas, y solamente yo vengo del lado del cine. Las demás  son 2 astrónomos y un astro fotógrafo que tiene algo de experiencia pero no en cine. A todo esto hace poco edité un manual que se llama cine guerrilla, que compila a 80 directores de Latinoamérica que escriben sobre eso, de cómo trabajar más con la cabeza que con el presupuesto. “

Se va a estrenar en el Planetario de La Plata?

“La que está recontra confirmada, y esta es la primera vez que lo digo, es el viernes 5 de mayo. La premier va a ser acá en el Planetario de La Plata. Vamos a estar desde las 6 de la tarde con una conferencia de prensa y obviamente están invitados para que puedan ver el capítulo y puedan contar la experiencia. Y la del 22 de mayo  va a ser en Capital pero es a confirmar, todavía no sabemos si se va a hacer con todo este movimiento. “


Por Moncha Fernández y Guillermo Fernández
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Necronomicón, el libro del infierno.

El director Marcelo Schapces lleva al cine la búsqueda del mitológico libro creado por Lovecraft.                                                                                             

El terror se esconde en Buenos Aires. Así lo plasmó el escritor H.P. Lovecraft cuando eligió nuestra ciudad como refugio de un ejemplar de su libro maldito: El Necronomicón. Sus páginas tienen el poder de volver loco a quien se atreva a leer su contenido, e incluso, llevarlo a la muerte. Su autor fue el "Arabe Loco" Abdul Alhazred hace casi 1300 años. A lo largo del tiempo, fue traducido al griego y luego al latín. Pero su poder era tan siniestro que muchas de sus copias desaparecieron hasta quedar sólo cuatro repartidas por el mundo. Este ejemplar escondido en Buenos Aires, se dice que fue protegido por el mismísimo Jorge Luis Borges cuando ocupó el cargo de director en la Biblioteca Nacional.

Con esta gran historia por contar, Marcelo Schapces toma las riendas como fanático declarado de Lovecraft y se embarca en el proyecto de llevar toda la mitología de terror y suspenso del escritor, a la pantalla grande. Para ello, eligió locaciones increíbles como la Biblioteca Nacional o la Librería Aquilanti & Fernández Blanco, que cuentan con una arquitectura magistral y parecen imaginadas por escritores como Humberto Eco o Ray Bradbury. En exclusivo para Falso Contacto, Schapces nos cuenta cómo surgió este proyecto con la producción de Baraka Cine, sus expectativas para el estreno, la participación de Claudio Gabis en la musicalización y también su trabajo en paralelo junto a Diego Capusotto y Luis Luque para una nueva película.

“Es increíble para mi, que leí Lovecraft desde joven, meterme en ese mundo tremendo que usa palabras y adjetivaciones como lo inclasificable, lo innombrable, lo que no puede ser visto y llevar todo ese universo al mundo Borgeano de Buenos Aires. La verdad que entre la Biblioteca Nacional, la librería Aquilanti que es un lugar increíble, el Palacio de los Bichos que es un edificio con mucha mitología de fantasmas que hay por Villa del Parque… Hay mucha cosa mítica de esta ciudad cruzada con el Necronimicón, básicamente porque Lovecraft en sus relatos de el ciclo de Cthulhu, ubicó uno de los tres ejemplares que quedan de este mitológico libro perdidos en el mundo en la Biblioteca de Buenos Aires. Entonces partimos de una premisa que es totalmente genuina, Lovecraft puso un ejemplar del Necronomicón acá, y eso es impresionante. Tenemos al Papa y también tenemos el Necronomicón escondido en la Biblioteca”.

 

¿Cómo se hace para trasladar esos relatos tan poco específicos a imágenes?

“En principio tratando de generar todo un clima de suspenso, opresivo. La historia sucede en una Buenos Aires de pasado mañana, donde el clima está totalmente desquiciado, los cielos son amenazadores, llueve casi permanentemente, hay humedad y cosas crecidas en las paredes de las casas y en la calle. Nos vamos metiendo en los sótanos de los lugares, que son más húmedos todavía, y ahí van sucediendo las cosas. Después, vamos a trabajar con mucha post producción digital. Recurrimos a Salvador Sanz que es uno de los mejores historietistas hoy en argentina para hacer los diseños de los monstruos, que siempre son pedazos, texturas, formas medio tentaculares, que van a ir apareciendo en la película. Hemos tratado de estar con gente que como yo tiene mucha pasión por el cine de terror y con el tema Lovecraft. Hay gente que va a componer cosas en el idioma Aklo, el cual hablaban los Antiguos de los cuentos de Lovecraft. Siempre dentro de esa cosa sombría en donde nada se termina de develar del todo".

 En esta propuesta que llevas a la pantalla te acompañan actores muy interesantes.

“Hicimos un elenco muy copado que conocí de otras experiencias. Está Diego Velázquez como el personaje principal, María Laura Cali como la hermana siniestra, Victoria Maurette que es como el personaje joven que lo va a guiar después de la muerte del gran mentor del libro que es un personaje que hace Federico Luppi, que tiene una participación especial, y también Cecilia Rossetto y Daniel Fanego".

“Juan Sasturain está también porque somos muy amigos y de los guionistas Luciano Saracino y Ricardo Romero. Entonces lo convidamos y en una de las escenas del final tiene una participación especial haciendo justamente de lo que él muchas veces hace; entrar a librerías a buscar libros raros”.

¿Es tu primera producción de cine fantástico?

“Propiamente como cine de terror, cine de género, si. Esto a pesar de que toda la vida estuve vinculado al cine de terror. Hace algunos años intentamos hacer una película que iban a ser 4 cuentos, con una idea central, con 4 directores diferentes, que no se pudo concretar. Hoy varios de esos directores ya van por su segunda o tercera película. Yo vengo en este momento, que ya está madurado el género, para hacer mi propia película de terror  que es como un regalo para mi”.

“Trabajé tanto en el documental como en la ficción. Estuve involucrado en la película de Nestor Kirchner, el documental de Rodrigo Espina “LUCA”, en Cazadores de Utopías y también en las dos películas de Diego Capusotto y Luis Luque, que hoy son de culto (Soy tu aventura y Pájaros Volando). Y les digo como primicia. Estamos elaborando, probablemente para fin de año o principio del año que viene, lo que va a ser la película que va a completar la trilogía. Se va llamar Ballena Blanca y está armada en capítulos que van a ir parodiando grandes clásicos del cine. Todo esto con un fondo de crisis social en el país”.

¿Los actores conocían la obra de Lovecraft?

“Diego Velazquez es muy fan del comic y tenía relación con la literatura fantástica, ya había leído a Lovecraft. María Laura Cali también. El resto lo conocía de saber que la santa trilogía del terror es Poe, Lovecraft y King. Los guionistas lo conocen en profundidad, son especialistas de la materia. Pablo Borghi, que hace la música, también. Y tengo otra primicia para darles! Para tema de títulos de la película vamos a utilizar una canción de Claudio Gabis junto con La Pesada, de su primer disco del año 1973, que es casi todo dedicado a Lovecraft porque Gabis era muy fan de él. Nos conocimos por esas cosas de la vida y lo llamé ahora para pedirle una versión especial del tema “Mas allá del valle del tiempo” que tiene una letra muy Lovecraftiana y que va a ir en una versión en vivo con Alejandro Medina, Kubero Diaz y Rodolfo Garcia  tocando para el cierre de la película".

¿Cuándo vamos a poder disfrutarla?

“Ya estamos terminando en pocos días el rodaje y ya se está trabajando en el montaje y demás. Ojalá pudiésemos estar estrenando a mediados de octubre. Es nuestra ilusión. Queremos llegar a estrenar para el Festival de Sitges que es en esas fechas en España, y en el medio vamos a hacer una presentación de avance en la Comic Con con algún evento tipo performance con tentáculos y algunas sorpresas. Estamos de lleno en la post producción con gente increíble de la empresa Nuts que está en todo lo que es el mundo digital, y estamos consiguiendo cosas muy novedosas y llamativas que están quedando muy bien. Ver las imágenes de Sanz cobrar dimensión 3D y verlos caminar entre los humanos está muy copado".

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Por Moncha Fernández y Guillermo Fernández

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Carlos Belloso: El Arte después de la Guerra.

Multifacético, talentoso, creativo, actor, músico, dibujante y escritor. Carlos Belloso es uno de los artistas más reconocidos por su trabajo en televisión interpretando personajes queribles como el inolvidable "Vasquito" de la novela Campeones. También por su faceta más oscura en roles como el narcotraficante y psicópata Eric Le Blanc en la película Baires. Una persona muy respetado por sus colegas por su talento y su humildad . Pero todo este camino hubiese sido imposible si el 2 de abril de 1982 no se declaraba la Guerra de Malvinas en donde fue conscripto en el aeropuerto de la ciudad de Río Gallegos. Esos meses de miedo e incertidumbre le cambiaron la mirada de la vida con tan sólo 18 años. Después de una depresión muy grande, decidió tomar un camino inusual para el mandato familiar que le sirvió para exorcizar los traumas que le dejó Malvinas: el arte después de la guerra.

¿Cómo nació tu vocación de actor?

Cuando yo era chico siempre tenía inclinaciones artísticas. Me gustaba mucho el dibujo, mirarme al espejo, actuar y ver otra persona en el reflejo que hacía caras y muecas. No me gustaba tanto leer como escribir algunas cosas. Pero en mi familia no era visto como algo normal que uno sea actor, pintor o cantante. Estaba ese precepto de que ser un cantante era ser un vago. O ser actor era ser homosexual. Se pensaba cualquier cosa. Estaba el mandato de ganarse la vida con armas nobles de laburante. Pero cuando planteé ganarme la vida de esta manera era como un desorden de la naturaleza. Hubo influencias de parte de mi hermana que se fue desmarcando de esos mandatos familiares y depositaba en mi, que era el hermano menor, ciertas tendencias a leer y escribir más cercano a lo artístico. A mí me agradaba mucho ese camino hasta que en un momento se planteó como forma de vida. Entonces me paré de patas en la familia y tuve un enfrentamiento con mi papá en base a que iba a ser de mi futuro o como iba a ganar dinero.  Por suerte pude seguir actuación y no otra cosa que me hubiese dado otro tipo de vida.

Más allá de cómo pude ganarme la vida en base a mi oficio, la actuación fue descubrir algo que me expresaba. Eso fue lo mágico de mi profesión. Encontré algo que realmente me identificara y al mismo tiempo que me expresara totalmente. Tenía muchas cosas que decir.

Tenes una carrera con personajes muy queridos que se han vuelto populares gracias a la televisión y el cine pero también tenes un recorrido en el teatro Under con personajes más oscuros. ¿ Cómo jugas con eso? Porque compones personajes que tienen en común una impronta muy fuerte sin importar su rol protagónico o de reparto.

Hay muchas influencias en mi búsqueda expresiva. A mi marcaron mucho la películas mudas y sobre todo las de Lon Chaney, a través de mi padre. Soy un fanático y pienso que fue el mejor actor que hubo de todos los tiempos. Quizás si me hubiera influido otro actor menos expresivo hubiese ido por otro lado. Sin embargo siento que esa veta me permitió poner muchas cosas propias. También tengo mucha formación en teatro desde lo académico y a su vez cuento con una especie de voracidad de lo que puede ser el teatro como expresión. Es por eso que me metí a leer y experimentar con ciertas cosas que pude hacerlo en lugares Under o quizás Off. Después, ciertas cosas compró el cine y la televisión. A su vez, en este último tiempo en el teatro comercial, puedo llegar a expresarme de ese modo, como ese el caso de Pillow Man, en donde pude hacer un personaje más oscuro y realmente muy "Lonchanesco".

Las influencias empiezan a tallar en ese sentido y todo el aprendizaje se vuelca en los personajes que son intensos y que trascienden un poco lo que dicen.  En un punto también me doy cuenta de las intenciones. Porque hay momentos en que es necesario guardarse y que el compañero que está en escena también se exprese de una forma intensa. Hay influencias y al mismo tiempo un oficio.

¿Cómo nace el dueto Los Melli junto a Damián Dreizik?

Los Melli surgieron de una obra que dirigía Viviana Tellas, una actriz, directora, música de rock y creadora de "Cleopatra, La Reina del Nilo" junto a las Bay Biscuit. En esa época trabajábamos mucho en lugares como el Parakultural en donde se cruzaba gente que hacía de todo.  En la obra, Viviana necesita actores que personifiquen a mellizos de un pueblo. Ella trabajaba en la Escuela Municipal de Arte Dramático en donde nos encontró a mí y a Damián Dreizik con quien estábamos siempre juntos y de hecho parecíamos hermanos mellizos. Mientras juntábamos dinero para realizar la obra, hicimos en el Parakultural el primer festival de Teatro Malo, en donde participábamos un grupo de actores del elenco de Viviana Tellas. Como los mellizos del pueblo hacíamos una obra dentro de la obra, comenzamos a recitar poesía repitiéndola a dúo.  Eso pegó muchísimo en la gente que nos pedía que siguiéramos. No teníamos ni nombre, pero el público empezó a reclamar "Queremos a Los Melli" y así fue como nos bautizaron.  Ese dúo trascendió la obra de Viviana Tellas en el que interpretábamos poemas que escribíamos junto a Damián. Es increíble como los personajes crecen a pesar de los directores o los autores. A partir de ahí, realizamos obras fuera del Parakultural en diversos teatros. La verdad es que tuvo un origen rarísimo.

¿Cómo te cambió la vida la Guerra de Malvinas?

Yo tenía 18 años cuando fui reclutado porque el servicio militar era obligatorio en ese entonces. Mi idea era hacer la conscripción como cualquier otro. Mi papá me decía que iba a estar bueno porque podía viajar y conocer amigos. Yo pensaba que era eso. Ni más ni menos.

También que te adiestraban a manejar armas por las dudas. Esas cosas que piensa un chico de 18 años de Munro.  Pero el 2 de abril se inició una guerra. Mi destino era en Comandante Piedra Buena, Santa Cruz, una localidad no muy alejada de Río Gallegos. Si a vos te dicen estando en Buenos Aires o en Jujuy "entramos en guerra por las Islas Malvinas" medio que la ves de afuera.  Yo me encontraba en el Teatro de Operaciones del Atlántico Sur y en una guerra no hay escapatoria porque si lo intentas te consideran desertor, te aplican una corte marcial y te ejecutan por traidor a la Patria. Esa no era una opción. Al mismo tiempo yo era de la División de Artillería que cumplía una función muy intensa debajo del paralelo 42 encargada de proteger las bases en tierra. A mí me tocó darle defensa con un cañón antiaéreo junto a mis compañeros al Aeropuerto de Río Gallegos. A medida que transcurría la guerra más nos acercábamos a las islas. Yo pertenecía al tercer relevo y el segundo ya se encontraba peleando en las Malvinas. Cuando estás en una guerra no cagás igual, no pensás igual, no dormís igual. Y al mismo tiempo, cuando termina todo, empecé a investigar gracias al acampe de Plaza de Mayo lo que realmente fue el conflicto de las Islas Malvinas por los libros de historia. Para nosotros nuestro libro insignia fue "El Informe Rattenbach" en donde vimos que nuestro regimiento estaba muy cerca del conflicto. Yo nunca estuve en las islas. Pero nuestro regimiento derribo un helicóptero Sea King con una ametralladora MAG cuando nos encontrábamos en Río Gallegos y hubo incursiones de Comandos ingleses. Todo eso fue muy intenso y es por esa razón que no dormís igual. Porque todas las noches eran una alerta roja permanente. Con 18 años fue realmente muy traumático y me cambió la forma de ver todo. Por eso también me hice artista. Me pregunté en manos de quien estamos y me pregunté porque no hacer lo que a uno le gusta cuando lo más probable es que te vayas de este planeta en cualquier momento.

En la guerra hay un marco absurdo en donde el ser humano puede entrar en un conflicto bélico con un enemigo en cualquier momento. Pero también está el detalle de encontrarte durante tres meses en condiciones infra humanas. El frío del sur te castiga mucho con 25 grados bajo cero, con mucho trabajo, sin poder conciliar el sueño y vivir completamente estresado. Y con el agravante de recibir el mensaje aterrado de tu familia que quiere ver cómo estás a cada momento.  Y no es como hoy en día que contás con un Wathsapp o un mail que enseguida saben en donde estás. Las cartas tardaban meses. A mi familia también les cambió la vida. La familia de los soldados tampoco fueron las mismas.  Fue un antes y un después.

El reclamos de los soldados continentales es lo justo. No tiene que ver con el dinero sino con el honor. Nosotros perdimos la guerra y no estamos reclamando bienes territoriales. Sólo reclamamos el reconocimiento de que, con 18 años, estuvimos a disposición de perder la vida por la Patria. Algo que cala hondo.

Por Guillermo Fernández

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Entrevista a Rodolfo García

Rodolfo García es uno de los próceres del rock nacional. Su compromiso con el arte, la música y la sociedad lo han llevado compartir escenarios con los más variados artistas del país y a ocupar cargos políticos para el desarrollo de la cultura. Fue baterista de Almendra, Aquelarre, Tantor y La Barraca. También ocupó el cargo de Director Nacional de Artes en 2014, el rol de organizador de ciclos musicales en ECuNHi (Espacio Cultural Nuestros Hijos) y en el mítico bar La Perla del Once, que cerró sus puertas hace apenas unos días para convertirse en una pizzería. Hermanos de vida desde siempre del querido Luis Alberto Spinetta, tuvo el placer de grabar y producir junto a Daniel Ferrón el último disco del Flaco: Los Amigo. Este trabajo fue la primera obra póstuma que se publicó luego del fallecimiento de Spinetta y que recibió el premio Gardel de Oro en el año 2016.

En exclusivo en Falso Contacto, conversamos sobre el cierre de La Perla y su recuerdo de uno de los shows más importantes en la historia de nuestro país: Spinetta y las Bandas Eternas.

En el baño de La Perla del Once compusiste la balsa

"La Perla fue algo que me dejó una experiencia impresionante. La participación del público fue delineando el propio perfil. Cuando arrancamos hace más de cinco años, la idea era que participen artistas de diversas generaciones y fue la gente la que brindo su apoyo a los artistas históricos. Fue importante porque el lugar tenía una impronta distinta al resto de los lugares en los que se ofrece música en Buenos Aires y generó un resultado muy interesante.

Por supuesto que desaparezca un lugar así genera tristeza porque, a pesar que no son pocos los lugares en donde se escucha música en la ciudad, cualquier lugar que se cierre no es una buena noticia. Pero en el caso de La Perla yo creo que era un final anunciado. Yo me había retirado bastante tiempo atrás de la fecha en que cerro previendo que esto iba a ocurrir.

No había un acompañamiento de los dueños del lugar comparable a lo que hacían los músicos que participaban y quienes estábamos en la parte organizativa de los programas. Era totalmente desigual. Un lugar como este, bien manejado, estaba destinado a crecer día a día ofreciendo cosas de mejor nivel. Por lo menos es lo que yo pienso. Lamentablemente no ocurrió de esta manera. Así como hay proyectos que nacen, se desarrollan y crecen, hay otros que el circuito es diferente: nacen, se desarrollan, se agotan y terminan. No es el caso en que sus dueños luchan a brazo partido para ofrecer mejores cosas y que dados los escollos que tienen por delante terminan cerrando y clausurando un sitio. En este caso se podía ver desde bastante antes lo que iba a suceder y esta fue una de las razones por las que me fui. Yo se lo plantee a los dueños y les dije que como estaba planteado el tema me parecía un proyecto perdedor y me bajo. No quiero estar el día de la caida final. Pero era absolutamente previsible, al menos, desde mi punto de vista.

Yo no era habitué de La Perla. Caí un par de veces pero como un ciudadano más que para a tomar un café en algún bar. Lo que distinguía a La Perla de otros lugares era que estaba abierta las 24 horas del día. No era el único lugar en la ciudad porque había en cada barrio un lugar así. Esos lugares en donde vos llegabas después de alguna reunión, una fiesta, un cumpleaños o lo que sea y no querías irte a dormir. Entonces pasábamos a tomar una última copa sabiendo que el lugar que elegías iba a estar abierto. Es por eso que La Perla era un punto de encuentro de cierta gente relacionada con el rock que caían ahí a última hora. También la bohemia local paraba ahí o los pasajeros del tren de la Linea Sarmiento que esperaban que salga la primera formación, estudiantes universitarios que preparaban alguna materia tomando café, una mezcla interesante.

Los ciclos como los de La Perla o el año pasado en el Teatro Roma. Es muy gratificante ver artistas grandes (ya estamos grandes) que siguen con el mismo ímpetu de cuando eran adolecentes y que no se resignan solamente a recrear temas que fueron éxito en su momento y se ponen a vivir sólo del pasado. Por supuesto que en sus show tocan estos temas que la gente reclama pero son artistas que siguen componiendo, preparando temas, continúan aportando cosas nuevas. Soule, Vox Dei, Javier Martínez, siguen sacando discos cada año y medio. Ellos continuan empujando y ofreciendo cosas nuevas que la gente lo agradece mucho. Eso es una satisfacción muy grande y me parece que está muy lejos de otros géneros que están un poco más decadentes del tipo que sigue aferrado a aquel tema que tuvo algún tipo de repercusión y hoy lo sigue recreando".

 

Spinetta y Las Bandas Eternas.

Hace unos días, Sony Music reeditó el material de Spinetta y las Bandas Eternas, el registro de esa inolvidable noche de diciembre de 2009 en Vélez.

La nueva tanda consta de 3 CDs y 3 DVDs con material mejorado e incluirá archivos gráficos y audiovisuales nunca antes vistos. Además, vendrá acompañado de un libro con imágenes del concierto y los respectivos ensayos. Como yapa, el tercer dvd se formó con anotaciones de puño y letra del Flaco cuando visualizó todo el material crudo que había quedado tras el show. La hija de Luis Alberto, Catarina, publicó en su twitter un video presentando el material que trae esta nueva reedición.

Por su parte, Rodolfo García recordó como su entrañable amigo le proponía participar de este increíble proyecto.

"Cuando surgió lo de Las Bandas Eternas con el Flaco ya veníamos ensayando con lo que después se convirtió en Los Amigo. Nos veníamos juntando en mi casa todos los miércoles a la tarde a tocar, a zapar y a disfrutar haciendo música. En uno de esos ensayos, el Flaco comentó que le habían hecho una propuesta que a él le había resultado interesante y nos explicó el esquema que era tremendamente ambicioso. A mí me pareció muy interesante pero imposible de concretar. Lo escuché con toda atención y le dije: "que linda idea lástima que no se pueda hacer". De todas maneras le señalé que cuente conmigo para concretar el show y afortunadamente se pudo hacer. Fue algo increíble desde muchos puntos de vista. Por empezar que la mayoría de la gente que maneja hoy el espectáculo masivo en la Argentina no creía en eso y decían que el Flaco no podía llenar un estadio ni aún con entrada gratuita. Textual de los tipos".

"Fue algo muy intenso ya desde los preparativos y los ensayos. Era algo muy loco volver a encontrarnos en la sala de ensayo que se había destinado con el Negro Black Amaya, Carlos Cutaia o David Lebón como ocurría en la vieja época en el pasillo de un teatro o un festival. Ya eso fue muy fuerte. También escuchar esas bandas sonando mejor que en su apogeo cuarenta años atrás. Por último, el concierto ese mismo día. La emoción de la gente junto con la emoción nuestra. Había personas llorando por lo que estaba pasando. Algunos de nosotros también. Era muy intensa la energía que venía de abajo. Dos días después yo no podía bajar. Era como caminar a cincuenta centímetros del piso. Yo vi el concierto de punta a punta desde la mesa de monitoreo a un costado del escenario. He estado en diferentes circunstancias en ese lugar y nos solemos juntar con los músicos a charlar pero esa noche estábamos todos en silencio con la ansiedad de no perderte ni diez segundos de lo que estaba pasando en el escenario. Era muy fuerte".

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Foto: Victoria Schwindt

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Entrevista a Rocambole

"Estamos en un bosque de pantallas"                                                                                               

Es imposible pensar en el rock de nuestro país sin evocar alguna de las figuras, tapas de discos, murales u obras que surgen de la cabeza de Rocambole. A lo largo de su brillante carrera como artista plástico, Ricardo Cohen es un referente que definió con su trabajo a cientos de miles de personas que se apropiaron de su arte y hoy lo llevan como remeras, banderas, pintadas o incluso tatuajes en la piel. A su vez, su trabajo como profesor en la Facultada de Bellas Artes de la Universidad de La Plata le permite seguir abriendo la mente de nuevos talentos. En una entrevista exclusiva con Falso Contacto, el maestro Rocambole nos brinda una magistral clase de arte, repasa su paso por La Cofradía de la Flor Solar, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota y la presentación de su nuevo libro.

¿Cómo se inició la Cofradía?

La Cofradía de la Flor Solar fue una escisión de un grupo de estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Plata que frente al golpe militar del General Onganía en 1966 desertaron de la facultad porque la vida para los que estaban vinculados a los centros estudiantiles se hizo un tanto difícil. El régimen de Onganía persiguió bastante a las facultades públicas argentinas. De hecho, la famosa noche de los bastones largos sucedió en esos años. Este grupo, un poco altruistamente y un poco ambiciosamente, decidió que la universidad era una especie de campo de concentración y que lo mejor era hacer una universidad paralela.

Y no solamente eso, también quería hacer un mundo paralelo. Queríamos cambiar la vida de la gente, la historia... todo. Lo que pasa es que teníamos en esa época un sentimiento bastante común a fines de los años sesenta con los jóvenes, en donde grandes grupos estudiantiles empezaron a entender la necesidad de grandes cambios culturales, políticos, sociales, etc.

De hecho, la Argentina era en ese momento una especie de olla en ebullición. Había toda clase de ideologías, discusiones en los bares, peñas que más que folklóricas eran peñas políticas y había discusión en todas partes. De repente aparecían nuevos movimientos artísticos como el Instituto Di Tella, más tarde el movimiento Tucumán Arde y muchos otros que dieron lugar a grandes cambios culturales que fueron desarrollándose en la siguiente década.

Los Redondos vienen a aparecer diez años más tarde, la Cofradía fue un poco el proceso previo, los proto-redondos digamos. Ya entrada la década del setenta y con otro golpe militar mucho más salvaje y siniestro que causó tantos miles de víctimas, podemos decir que el espacio cultural se había vuelto tan oscuro que realmente era muy difícil hacer situaciones de esa naturaleza. Los Redondos se establecieron como una suerte de resistencia cultural y como decía el "Persio filosofal", era para "mantener el estado de ánimo" ya que había una depresión muy grande. Estaban matando y desapareciendo gente. Era un momento muy embromado.

Durante la etapa entre de la Cofradía de la Flor Solar y Los Redondos vos ingresas a la Universidad de Bellas Artes y luego la dejás por un tiempo largo. Ya siendo un artista que había realizado un camino decidís volver para egresar en 1973 y luego trabajar como docente. ¿Cómo fue la decisión de regresar a la universidad?

Cuando vuelve la democracia en el año 1973 ya el ambiente en la universidad había cambiado notablemente. Muchos compañeros míos continuaron estudiando en la institución cuando yo me fui y se convirtieron en docentes que participaban en los planes de estudio que se daban en la facultad. Ahí decidí volver a cursar y terminar mi carrera. También me interesó en ese momento la docencia pero justo cuando me habían nombrado ayudante en una de las cátedras es que viene el golpe de 1976. Así nuevamente me tocó el éxodo, esta vez a Brasil, donde estuve trabajando y me perfeccioné en la ilustración gráfica y envases de discos.

¿A tu regreso viene el contacto con Los Redondos?

Durante toda la década del setenta mucha gente de La Plata vinculada a hechos culturales siempre había estado trabajando, realizando eventos y yo estaba en contacto con ellos constantemente. A fines de la década del sesenta esos eventos eran una especie de circo ambulante, una "deformidad cultural" como le decíamos. Esa especie de entelequia es la que da origen a la banda. Al principio era situaciones que se veían como happenings en donde había teatro, danza, malabarismo, fuegos artificiales, música, de todo.Se hacía en ámbitos culturales pequeños en los que no había más de 50 o 60 personas. Pero esos hechos llamaron la atención de algunos periodistas porteños que trabajaban en la revista Expreso Imaginario y sacaron algunas notas sobre que en La Plata estaba pasando algo extraño con el rock. Fue en esa época que conozco a los Redondos y empezamos nuestro trabajo juntos.

¿Cómo fue el trabajo a lo largo de estos años en Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota?

No era una cosa que arrancaba en una punta y terminaba en otra. Desde la época de la Cofradía, todos los que interveníamos en esos asuntos decíamos que la idea no era que un disco fuera un contenedor de algunas canciones. Se pensaba que un disco era una especie de obra de arte completa que tenía que ver con la poesía, la música y las artes plásticas. Era un mensaje que se completaba con la intervención de estas tres disciplinas. Si faltaba alguna, el mensaje quedaba incompleto. Entonces no era que yo ilustraba canciones, nunca lo hice ni se me ocurrió hacer una interpretación de nada porque me parecía redundante. Así es como se proponía una idea y cada uno se iba a trabajar en lo suyo. Es muy clara la idea en el segundo disco de Los Redondos, Oktubre, del que se cumplen 30 años, en donde hicimos un homenaje a todas las luchas revolucionarias que había habido en la historia mundial. A partir de ese concepto empezaron a surgir más ideas como ¿Cuál es el mes más revolucionario? Octubre. ¿Qué imágenes pueden aparecer ante una música épica? Multitudes, banderas, etc.

También una iglesia prendida fuego.

Bueno, eso fue una especie de guiño a situaciones que se vivieron acá en la Argentina.

¿Cómo vivís la trascendencia que tuvo el dibujo del esclavo en la tapa de Oktubre en estos 30 años y que se convirtió en una imagen icónica que llegó, incluso, a la piel de la gente?

Bueno, a mi me impresiona mucho como artista, porque a veces me pregunto quién soy yo para que un tipo tenga que llevar toda la vida en la piel un dibujo que se me ocurrió en una noche de insomnio (risas). Yo creo que eso responde a ciertas situaciones que tienen que ver con la imagen. Nosotros consumimos las imágenes, la vemos, nos agradan o no, etc. Pero muchas veces, por causa de un problema de educación, somos analfabetos en general de lo que es el lenguaje de lo audiovisual. Muchas veces las imágenes nos entran de manera subliminal porque la falta de educación, al no habernos preparados para asimilarlas, nos deja un poco inermes para el potencial que tiene una imagen. Entonces muchas imágenes se transforman en íconos como puede ser una camiseta de futbol, un escudo, una bandera o un logotipo. Sin embargo responden a un canon bastante previsto por el lenguaje visual. Pero de todas maneras, más allá de que uno pueda hacer una imagen icónica, lo que no se puede prever exactamente es el alcance que puede llegar a tener. Yo mismo me asombro de esa figura que hice para el diario. La gente la adoptó, la tomó, la hizo suya, empezó a reproducirla y plasmarla en remeras. Mucha gente me dice "Vos debes ser millonario por la cantidad de remeras que se venden con esa imagen". Pero yo les puedo decir lo mismo que algunos dibujantes famosos que yo conozco, a mi me conocen por esta imagen pero yo de esta nunca vi un peso (risas). Pero creo que si yo la hubiera registrado de alguna manera o perseguir a quienes usaban la imagen no se hubiera multiplicado de la manera que lo hizo.

Otro gran disco de Los Redondos que cumple 20 años es Luzbelito para el cuál vos hiciste ese famoso busto que fue robado.

Efectivamente, fue robado y nueve años más tarde, reapareció, estuvo secuestrado.

Para esa época vos fundaste "Cybergraph" junto a Juan Manuel Moreno y Silvio Reyes logrando un trabajo muy interesante en el arte digital y las animaciones.

Alrededor de 1994 ya se veía venir que el mundo iba a estar en manos de todo lo digital. Se podía observar que la imagen iba a ser digital y que la mayoría de las situaciones tecnológicas iba a andar por esos espacios. Entonces procuré encontrar algunos compañeros, que además eran alumnos míos y trabajaban conmigo en las cátedras de Bellas Artes, que eran jóvenes y tenían el musculo más despierto para el trabajo digital. Así fue como realizamos un trío. Uno de ellos, Silvio Reyes, manejaba muy bien el arte del modelado en 3D, Juan Manuel trabajaba muy bien con los programas de retoques y yo tenía algunas ideas. Hemos realizado trabajos muy interesantes como el video de "Citroin Violador" de La Saga de Sayhueque.

¿Cómo ves vos como artista el avasallamiento de la tecnología en la imagen?

Yo veo que la imagen ha tomado un protagonismo notable y exagerado. Creo que ya hay polución visual en el mundo y vamos por más. Estamos en un bosque de pantallas. Tenemos la pantalla del celular en el bolsillo, llegamos a casa y esta la pantalla de la televisión, de la computadora, damos una clase y tenemos la pantalla con el proyector. Pronto andaremos por carreteras que a nuestro alrededor que nos envían mensajes. Pero es el mundo hacia donde va.

Sin embargo vos apostaste a la publicación de un libro "Rocambole: Arte, Diseño y Contracultura" a través del sistema de Panal de Ideas buscando el apoyo de la comunidad ¿Cómo fue esa experiencia?

Fue una experiencia notable. Uno como realizador plástico siempre tiene el sueño de tener un libro que contenga parte de su obra. Se dio la posibilidad de hacerlo a través de estos sitios por internet que proponen un pago anticipado y puede realizarlo aunque no tenga una editorial atrás de uno. La gente se transforma en una suerte de accionista para lograr este proyecto de manera independiente.

Por último Rocambole ¿Qué análisis haces vos sobre lo que vivió Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota durante la década del noventa sobre su éxito y el rol que cumplió en su momento como cobija para una generación que necesitaba creer en algo?

Yo lo dividiría en varios items. Creo que en cualquier contexto, un grupo que tenga un guitarrista excepcional como Skay Beillinson, con una música increíble y unos arreglos maravillosos; con un cantante también excepcional como el Indio Solari que además sea poeta y su poesía tenga un nivel excelente; si vos juntas todo ese coctel y modestamente le agregas algunos dibujos interesantes, armas una cosa que va a tener suceso en cualquier momento y en cualquier lugar. El consejo que yo le doy a veces a los pibes es que si hacen buena música, si tienen buena poesía, está bien ilustrada y le ponen pasión, algo tiene que pasar. Pero además, obviamente había todo un contexto político social que fue bastante denso e interesante en la Argentina. Y como muchas situaciones de arte responden, aunque no lo quieran, a situaciones sociales y políticas. Uno muchas veces puede analizarlo pasado el tiempo. Cuando te pones a pensar Sui Generis en la época que lo escuchábamos al principio, era una bandita para adolecentes, pero analizándolo ahora pasado el tiempo y entendemos porque apareció en esa época y su importancia. Los artistas tienen a veces como una especie de sensación y son permeables a las vibraciones del ambiente en que están. Son sensibles y de alguna manera explican siempre su contexto.

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Por Guillermo Fernández

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Osvaldo Acedo: “Esperemos que ION sea eterno”.

Los estudios ION cumplieron este año seis décadas junto a la música argentina.                                                                              

Comandados por Osvaldo Acedo, los estudios ION fueron testigos privilegiados de la historia musical en nuestro país, por eso cuentan con un valor cultural innegable. A lo largo de los años, recibieron reconocimientos de la Asociación Argentina de Interpretes, la Academia Nacional del Tango y ganaron un Premio Konex por su invaluable aporte a la música popular argentina. También, fueron el escenario elegidopara filmar la producción televisiva “Encuentro en el estudio”. En el presente, a pesar de haber sido declarados hace once años sitio de interés cultural en la Ciudad de Buenos Aires y hace uno por el Ministerio de Cultura nacional, intentan superar la crisis del disco y la falta apoyo estatal. Para Acedo, “ION es el Abbey Road de Buenos Aires”,y como tal, merece ser declarado patrimonio histórico de la humanidad.

Al 2500 de Hipólito Yrigoyen se grabaron discos de los más variados géneros musicales, lo que significa un sentimiento de orgullo en la carrera quienes pasaron por sus salas. “Vimos crecer a muchos artistas, Fito Páez  es uno– comentó el director -  Empezó cuando tenía 17 años y venia como tecladista de Baglietto, años después grabó El amor después del amor”.

El director ubicó temporalmente sus primeros pasos en este trabajo en los años ’60, cuando se producía el declive del tango en contrapartida del ascenso del  pop y el rock. “En el mundo sonaban los Beatles y algunos chicos probaban cosas nuevas, como Sui Generis, Gustavo Santaolalla o León Gieco”, además contó que grabó discos con grandes exponentes del  tango, como Anibal Troilo o Juan D`Arienzo.

En sintonía con lo anterior, recordó los inicios del proyecto y sostuvo que para esa época, la existencia de un estudio de grabación por fuera de los sellos discográficos era una rareza. “Fuimos pioneros, dábamos servicio a las incipientes compañías nacionales sin estudio. Después, la evolución del propio mercado  hizo que las compañías vendieran todo y solo quedaron sitios privados”, aseguró.

“Para 1970 grabamos Vinicius en la Fusa en ION, con público presente en la sala. Alfredo Radoszynski  era el productor  y cuando fuimos a La Fusa, nos dimos cuenta que la acústica era mala – revivió Acedo - Entonces, se le ocurrió poner mesas en la sala, compró whisky, algo para comer, invitó a 20 amigos y se quedaron hasta las 6 de la mañana”.

Más cerca en el tiempo, para octubre del 2009, ION fue el escenario elegido por los productores de La brújula para grabar el ciclo Encuentro en el Estudio, con la conducción de Lalo Mir. En este sentido, Acedo admitió: “El proyecto apuntaba a la difusión musical, fue una buena idea y muy exitosa. Es considerado el mejor programa musical de la televisión, cuando la música en vivo en la tele era mala palabra”.

También, se manifestó a favor de gestar para ION un futuro similar al de los estudios británicos Abbey Road. Mencionó la gran crisis que tuvieron, cuando casi lo cierran y lo derrumban, pero Paul McCartney brindó apoyo económico y fue declarado patrimonio histórico. Eso lo convirtió en monumento cultural y deben preservarlo como sala de grabación. Además, deben mantener el estudio dos como lo dejaron los Beatles.

“Veo un futuro muy vinculado a la crisis del disco y huérfano de apoyo estatal. Somos, básicamente, el Abbey Road de Buenos Aires”, dictaminó Acedo. Reconoció apuntar a un destino similar  y bromeó con la posible instalación de supermercado chino en ese sitio.” Haremos lo posible para evitarlo, ya le invertí 56 años de mi vida. Esperemos que sea eterno”, confesó Acedo.

El director del mítico estudio aseguró haber aprendido algo distinto de cada género, artista y disco que pasaron por ION. “Del tango, haber llegado a manotear a Troilo o haber grabado a Piazzolla. Del folklore, haber grabado la segunda versión de la misa criolla con los Fronterizos, o haber grabado con Atahualpa Yupanqui. Del rock haber grabado los dos discos de” La máquina de hacer pájaros”, rememoró con tono nostálgico.

Por otro  lado, realizó una reflexión sobre la música contemporánea y la calificó como un reflejo del contexto social. Aseguró, que como en una época se consumía comida chatarra, la música también lo era. Y ahora, como todo debe ser “rápido y light”, la música sigue esa lógica. En sus declaraciones fue tajante: “Últimamente hay mucho material, antes sólo los músicos consagrados podían grabar. Hace mucho tiempo no hay grupos con la solidez de la permanencia, tampoco temas con el peso de antes”.

Por Evelyn Rey

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Blues de los plomos

Paulo Soria: “La relación entre los músicos y los plomos es de amistad”.                                                     

En esta oportunidad vamos a reconocer el esfuerzo, muchas veces menospreciado, de quienes son parte fundamental de la movida del rock: los plomos. Son infinitas las horas de producción necesarias para que una banda se suba al escenario y de su show. Escenario repleto de cables, instrumentos y micrófonos, todo debe estar en su lugar exacto. “El blues de los plomos”, el documental dirigido por Paulo Soria y Gabriel Patrono, ilustra fehacientemente a este mítico personaje.

La película fue estrenada en 2013 y aún continúa de gira por distintos barrios porteños. También se encuentra disponible en plataformas digitales como YouTube, INCAA TV y Odeón. ”Queríamos contar la historia del rock desde otro punto de vista” comentó Soria. La producción además de contar la vida de los obreros del rock retrata la vuelta de Oveja Negra, una banda de los 80 compuesta por plomos de distintos artistas. Asimismo en su desarrollo aparecen testimonios de referentes de la movida como Marquitos, Rocky, Lebek y Bertoli, entre otros.

“Primero no sabíamos cómo era la relación del músico con los plomos, pero nos dimos cuenta que era una relación de amistad- aseguró Paulo - Lo vimos en el medio del trajín y nos sentimos identificados porque así encaramos nuestros proyectos. También quisimos enmarcarlo en Oveja Negra y como tocaban con sus hijos”.

El director recordó que con Gabriel Patrono tenían la intención de realizar una producción de la historia del rock, pero contada desde otro punto de vista. “Cuando investigamos el detrás de escena encontramos un universo muy rico en historias nunca difundidas” en el mismo sentido Soria aseveró que había pocas producciones con esta temática. “Nos cautivó el tema por contar” relató el guionista.

“A través de Pablo Votroski nos contactamos con Oveja Negra, conocía a Tomás Amante y nos enteramos de su vuelta para grabar un disco nuevo – comentó Soria- Pudimos filmar su reencuentro, cuando volvieron a grabar, tocar con sus hijos y volver a los escenarios”.

En otro sentido, subrayó que al contextualizar inevitablemente se contó una historia y una “movida del rock en particular”. “Se relata el origen de la palabra, los plomos vienen de la época del tango– aseguró el Soria – Entonces, decidimos ir lo más atrás con los plomos vivos cercanos, pero la intención fue contar como evolucionaba la historia de nuestro rock”.

Luego, descubrió detalles del encuentro con la leyenda del tango Alberto Podestá. Comentó que él siempre se encontraba en el bar Bayven de Lavalle y Montevideo. Un día Gabriel Patrono pasó a comentarle de la filmación, y Podestá le dijo: “Vos pasá por acá, yo estoy”. Entonces, cuando filmaron la entrevista de Héctor Stark les sobró tiempo y fueron al bar. Lo encontraron con los amigos tomando un café y los entrevistaron.

Por otra parte, el productor aseguró: “Nos sorprendió la repercusión en el público, por lo general un documental tiene vida corta. Arrancamos en 2009 y seguimos girando. Está en YouTube hace medio año y sin embargo nos invitan a pasarla en centros culturales” también comentó: “La respuesta del público es gratificante, evidentemente mueve hilos en las personas que no esperábamos”. En el mismo sentido, reveló cómo muchos plomos aparecieron  después del estreno y se apropiaron ella.

“La película debe llegar a la mayor cantidad de gente posible, por eso la colgamos en internet, nos pareció necesario” aseguró Paulo. En suma, recordó que no realizaron un estreno comercial, entonces para girar el film organizaron “movidas” con otras producciones referidas al mundo del rock. En relación a eso, comentó que siempre las condiciones fueron la difusión gratuita y tenerla en su canal.

En otro sentido, halagó la tarea de Gonzalo Cabré como empresario, ya que da trabajo a sus amigos- “Nos abrió las puertas del festival Pepsi Music y pudimos filmar como es trabajar con gente que no sabe quién toca o quizás no curte el rock – comentó Soria - Nos pareció interesante contrastarlo con un momento de la historia, como los 90, donde se profesionalizó el trabajo y ahora en cierta forma se perdió la pasión por el laburo”. Sin embargo, resaltó: “El caso de Jota, plomo de Almafuerte, está para mostrar que ese romanticismo y esa pasión no se perdió del todo, tratamos de buscar un equilibrio”.

Por último, comentó que la presencia de la vieja Barrios era el objetivo máximo del proyecto, por ser el emblema del plomaje argentino y haber compartido 34 años junto a Luis Alberto Spinetta.  “Nos facilitó el material de su gira, eso hizo crecer mucho a la película” reafirmó Paulo y concluyó: “¿Cómo no va a ser el plomo de Spinetta con lo emocional que es?”.

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Entrevista a Lolo Fuentes

“Para que vuelva a Miranda! tiene que pasar algo creativo”.                                                                                                                                 

En una casa que respira música, el ex integrante de la banda electro pop Miranda! realizó un repaso de su carrera y se manifestó conforme con sus logros profesionales hasta el momento. Además, comentó detalles de su nueva etapa como músico independiente  y dio su mirada en el caso Time Warp. “Si tuviera un hijo, él estaría más informado en el tema drogas”, comentó.

Leandro Fuentes, a los 41 años y con una carrera musical consolidada no se arrepiente de su paso por como él afirma: “La última banda después de Babasónicos“ y aseguró: “No creo que vuelva, estoy muy abocado a mi proyecto solista”.

El músico se refirió a la situación actual de los conjuntos en boga y fue tajante: “La música está acéfala”. En el mismo sentido, se expresó con una dura crítica a los conjuntos latinos que realizan rock fusión. Dentro de la observación rescató cosas positivas, como la continuidad en los escenarios llevada adelante por el Indio Solari, pero fue punzante: “No veo bandas que me emocionen como había en los 80 o en mi época”.

Asimismo, criticó la falta de lugares para tocar que se desató tras la tragedia de Cromañón. Recordó al gerente de ese boliche como un “mártir”, un chivo expiatorio para la opinión pública y afirmó que” Omar Chabán fue el único que estuvo en cana y murió de pena”. Además, relacionó la falta de estos nichos con la decadencia de la música en la Argentina y el mundo en general.

En tanto a la polémica desatada tras la muerte de cinco jóvenes en el predio Costa Salguero en el marco de la fiesta Time Warp, el músico considera que los empresarios y el Gobierno son quienes deberían hacerse cargo de garantizar la seguridad de los jóvenes. “La medida de cerrar los boliches es extrema, no solo se perjudica el dueño sino todos los empleados del lugar”, opinó Lolo.

También, consideró que parte de esa responsabilidad es compartida con los padres, quienes no brindan la información suficiente a sus hijos respecto del manejo de sustancias y que en el caso de tener un hijo le brindaría la información necesaria. “Es un país muy careta en muchos aspectos”, sentenció.

Por otro lado, Lolo Fuentes aseguró que su participación en la banda Miranda! reflejó la influencia musical recibida en la primera etapa de su vida. El artista contó: “Nací en el 74, para la década del 80 escuchaba mucho Virus, Soda Stereo, Los abuelos de la nada”.  En el mismo sentido mencionó a Luis Alberto Spinetta, Gustavo Cerati, Prince y David Bowie como sus principales referentes.

“No tengo relación con los chicos de Miranda!, tampoco hubo oportunidad de cruzármelos”, confirmó el músico. Igualmente, aseguró recordarlos con cariño por haber compartido muchos buenos momentos juntos. La agrupación que lo catapultó a la fama alcanzó en poco tiempo reconocimiento intercontinental. Sus canciones llegaron a sonar en toda Latinoamérica y la costa este de Estados Unidos, en este punto el músico apuntó: “Después de Babasónicos no vi a otra banda, por eso también estoy haciendo un disco solista, a ver si pasa algo con lo mío”.

Luego del distanciamiento, Leandro Fuentes encaró un viaje introspectivo en México. Durante el tiempo que vivió ahí, aseguró haberse vaciado de la vorágine que implicaba ser una figura pública con residencia en la Ciudad de Buenos Aires. En aquél país fortaleció sus lazos de amistad a través del intercambio musical.

“No creo que vuelva a tocar con ellos, estoy muy abocado a mi proyecto solista”, reafirmó el cantante. También declaró que desde la separación no volvió a hablar con el vocalista de su ex banda y, en el caso de hacerlo, hablaría de otras cosas. En el mismo punto, reflexionó sobre la fuerte impronta de dúo adquirida por Ale Sergi y Juliana Gattas. “Son ellos con una banda atrás, para que vuelva tendría que ser algo en conjunto, pero dudo que suceda”, concluyó el artista.

Por último, el 10 de junio se presentará en el boliche porteño Kika, tocará temas de su autoría pero guarda el lanzamiento oficial de su disco solista para más adelante. Este proyecto comenzó a gestarse en los últimos años de Miranda!, sumado a nuevas letras y melodías más rockeras.

Estima que la fecha de presentación para el nuevo álbum será el 27 de julio, el día de su cumpleaños 42, aunque los tiempos suelen dilatarse en estas cuestiones.“Prefiero tocar mucho y que se escuche el disco  para hacer una presentación real, si se puede quiero que sea en La Trastienda o el Ateneo  con entradas agotadas, eso significa que la gente quiere verte”, finalizó.

En el mismo sentido, deslizó detalles de los formatos en los que editará su trabajo. El  mismo estará disponible en formato físico y digital, tanto en las plataformas para la venta como en las redes sociales para difusión y no descarta en un futuro incursionar en la realización de vinilos.

Por Evelyn Rey

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Cosquín Rock XV

Francisco Mostaza: “Los argentinos tenemos el peso de la leyenda por ser los pioneros del rock en habla hispana”.                                             

Desde 2001 todos los veranos la provincia de Córdoba se dedicó a recibir miles de jóvenes para darle vida al mítico Cosquín Rock.  Bandas de los más variados estilos pasaron por sus escenarios, lo que se tradujo en cientos de horas de material audiovisual. Hace cuatro años Francisco Mostaza comenzó a recopilar toda esta  información y con el visto bueno de José Palazzo, parte del comité organizador, empezó a gestar el primer rockumental basado en el festival más federal del país.

Después de su paso por el BAFICI y las salas comerciales el film dirigido y producido por Mostaza se encuentra de gira por 46 provincias argentinas. “Las grandes empresas nos habían puesto a la una de la mañana, esto nos pareció bastante complicado para la audiencia”, confesó la cabeza de este proyecto.  En el mismo sentido, sostuvo que “Ahora estamos en una segunda etapa en donde queremos llegar a la gente verdaderamente fanática del rock”, también anunció que esas funciones serán en horarios razonables para que asista una mayor cantidad de público.

La película cuenta con imágenes de las más variadas texturas, desde archivos en VHS, pasando por mini DVD, hasta los registros hechos  en los últimos dos años en calidad súper HD. Todo este material sumó alrededor de 500 horas en registro filmográfico, el mismo fue sometido por un equipo de editores a un recorte periodístico con el fin de captar lo más significativo en cada fecha. “La idea era retratar los mejores momentos artísticos, emotivos y divertidos de lo que paso en el festival”, rememoró el director.

En el mismo sentido, recordó detalles de la tarea realizada para acceder a ese material. Comentó haber recibido el apoyo desde un primer momento de empresas como Popart y Vorterix, además del mismo Palazzo. Aseguró que todos estuvieron convencidos de la necesidad imperante de generar una película basada en un evento tan masivo. “Desde el BAROCK  no había un documento fílmico de festivales de este estilo”, aseguró y fue tajante:“Una de las causas por las que José me eligió, en vez de a Trapero por ejemplo, es que soy la persona con más festivales en el lomo”.

Además, la película posee testimonios de figuras como Ricardo Iorio, Diego Tuñon y Dante Spinetta. “Son gente divina y también nos conocemos hace mucho - develó el director - con Skay tenemos una relación de mucho respeto”.  También, adelantó detalles de escenas emblemáticas del film: “La escena con el Bocha Sokol es algo único. En ese momento quería anunciar su salida de Las Pelotas,la bajista le dijo que no lo diga y el llorando se contuvo“.

“Fueron 15 años de evolución muy fuerte, tanto en la imagen como en la realización del evento y las bandas que pasaron por él”, sostuvo Mostaza. Del mismo modo, develó detalles de una charla íntima con Ciro Martínez en la que el cantante le comentaba: “No puedo creer ver a Los piojos tocando, éramos todos jovencitos”. El director concluyó: “Con Babasónicos pasó lo mismo, se veían desde chicos hasta ahora”.

También, calificó la tarea de recorte del material como la más difícil. Aunque sostuvo: “Todo fue arbitrario y probablemente salga en un Blue Ray próximamente”. En el mismo punto, comentó haber querido realizar un documental de tres horas, pero la distribuidora le bajó el pulgar. Por estos motivos decidió darle prioridad a los iconos y referentes que marcaron su camino en el mundo rockero.

En tanto a la expectativa de las giras programadas el productor disparó: “Con la película dando vueltas por el mundo apuntamos a recuperar el dinero”. En el mismo sentido, comentó que el hecho de su estreno en varias ciudades del mundo le dio la sensación de un reconocimiento mayor y concluyó: “Esto fue la prueba de que el rock no se convirtió en algo tabú si no en una convivencia sin necesidad de violencia”.

Por otro lado, el festival Cosquín se hará en febrero en México y en noviembre en Perú, lo que según el productor facilitó la penetración del documental por fuera de las fronteras argentas. Francisco Mostaza reafirmó la idea de que en los años inmortalizados en el rockumental se reflejó el renacer del este género musical, dónde  muchos “dinosaurios” y exponentes del género fueron a revivir o caer en el festival. En suma apuntó: “Los argentinos tenemos el peso de la leyenda por ser los pioneros del rock en habla hispana”.

La película se presentará en Ambulante, un festival a realizarse en  México y Colombia, también estará de gira por Barcelona y Republica Checa. Francisco comentó: “Vamos a Europa para en septiembre salir en DVD y armar un Blue Ray para el próximo Cosquín”. Asimismo comentó sobre una propuesta hecha por Netflix para subir el documental a la plataforma virtual. Para quienes todavía no hayan visto el rockumental pueden chequear los días y lugares de proyección en la página de Facebook Cosquín Rock XV.

Por Evelyn Rey

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